Interview avec Yari, réalisatrice et scénariste de « My Shadow’s Wings »

Nommé dans la catégorie Best Music Video lors de l’édition de juillet 2026 du World Film Festival in Cannes, My Shadow’s Wings (Las Alas de mi Sombra) est un clip musical écrit et réalisé par la cinéaste espagnole Yari, fondatrice de Fearless O’Clock Studios. Il suit Kiara, une danseuse qui doit vaincre ses peurs pour oser déployer ses ailes. Rencontre.

Yari, dans Las Alas de mi Sombra, vous explorez la frontière intime entre le doute de soi et l’affirmation de soi. La vidéo repose sur une saisissante dualité visuelle entre une scène de théâtre scintillante et un monde onirique suspendu dans les nuages. Comment avez-vous conçu ces deux univers contrastés pour traduire visuellement le monde intérieur de Kiara ?

J’ai toujours pensé que la clé visuelle de ce projet résidait dans le contraste entre ces deux esthétiques. La prestation qu’elle donne sur scène représente sa réalité : elle doit travailler dur pour réaliser ses rêves, le faire devant un public, et non seulement affronter le regard des autres, mais aussi accepter pleinement d’être sous les projecteurs. Pourtant, son monde intérieur nous révèle ses doutes, ses peurs, son manque de confiance en soi. C’est pourquoi, au début, le monde onirique des nuages est sombre, presque comme si elle était prisonnière d’un lieu où le soleil ne se lève jamais. C’est aussi pour cela qu’elle est allongée, cachée derrière les nuages, persuadée de ne pas être à la hauteur et effrayée à l’idée de poursuivre ses rêves, parce que ses peurs ont pris le dessus. Je voulais que ces deux univers fassent partie intégrante de l’histoire de Kiara et du message fort que porte le projet. À la fin, le monde intérieur de Kiara est plus lumineux que jamais. Le soleil s’est levé, et elle est assise, baignée par les chauds rayons qui l’entourent. Cela signifie que Kiara a surmonté ses peurs, qu’elle est devenue plus forte, plus sûre d’elle, et qu’elle a décidé de ne plus se cacher. Elle n’est pas une victime et ne l’a jamais été. Depuis le début, ce qu’il lui fallait comprendre, c’est que la seule chose qui l’empêchait de réaliser pleinement son potentiel était sa propre peur. Elle réalise, pour reprendre un symbole présent dans l’histoire, que ses ailes ne lui servent pas à grand-chose si elle ne tente même pas de voler.

L’idée de construire ces deux univers contrastés était là dès le début du projet. Je voulais raconter cette histoire à travers deux mondes : la réalité de la protagoniste et son monde intérieur. Ce contraste contribue beaucoup à la dynamique entre le doute et l’affirmation de soi. Le fait que son monde intérieur devienne plus lumineux est essentiel, car il représente un autre aspect très important de la lutte contre ses peurs : l’évolution personnelle. J’ai le sentiment que l’histoire n’aurait pas été la même sans ces détails qui peuvent sembler minimes, mais qui jouent en réalité un rôle immense dans la construction d’un récit.

Le personnage de Kiara, interprété par Marta Casado, transmet une grande part de l’émotion du film par son regard, ses gestes et le mouvement de ses ailes lumineuses. En tant que réalisatrice ayant vous-même une solide expérience d’actrice, comment avez-vous guidé cette interprétation physique et retracé son parcours, de la vulnérabilité à la force ?

Tout d’abord, merci pour cette question, car elle me ramène à la naissance même du projet. Quand j’ai commencé à écrire cette idée, je l’avais d’abord pensée comme un court métrage dialogué. Puis j’y ai réfléchi, j’ai relu le scénario, et quelque chose ne sonnait pas tout à fait juste. C’est l’un de ces moments où il faut se fier à son instinct. J’ai conservé toutes les idées, mais j’ai supprimé les dialogues. Tous. Et là, je l’ai vu : c’était une histoire qui n’avait pas forcément besoin de paroles, d’échanges ni de conversations pour être racontée. Je suis tombée encore plus amoureuse de l’idée lorsque j’ai décidé de la raconter sous la forme d’un clip musical. Bien sûr, pour cela, l’interprétation de Marta dans le rôle de Kiara était capitale. Il ne s’agissait pas seulement de chorégraphie : Marta devait nous faire ressentir toutes les émotions de Kiara par ses regards, ses yeux, ses gestes. Et elle y est parvenue de manière brillante ; elle était l’actrice idéale pour donner vie à Kiara.

En tant que réalisatrice, je ne voulais pas lui laisser tout le travail, mais je ne voulais pas non plus prendre entièrement le contrôle de son interprétation. C’était un travail d’équipe. Nous avons travaillé ensemble, et je l’ai guidée à chaque étape tout en lui laissant la liberté dont elle avait besoin. Le parcours de Kiara n’a rien de simple, et chaque moment qu’elle traverse compte, surtout dans un projet aussi court. Marta a parfaitement compris son personnage et lui a consacré énormément d’énergie et d’investissement. Un autre point auquel j’ai veillé tout au long du travail d’interprétation était la manière dont Kiara se comportait sur scène et dans son monde intérieur. Je me suis assurée que Marta comprenne bien les moments clés, et je la rassurais à mesure qu’elle se rapprochait des émotions de Kiara. Je pense qu’il est essentiel d’avoir des échanges ouverts avec les comédiens — ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas — et de travailler ensemble pour donner vie au personnage de la meilleure façon possible.

Au final, Marta a su montrer les moments de vulnérabilité de Kiara, ainsi que tout le cheminement qui la mène à découvrir que sa force intérieure avait toujours été là. Marta était d’accord : pour exprimer tout cela, il valait mieux se passer des mots et s’appuyer sur un jeu fondé sur le mouvement et les expressions du visage.

La chanson originale No Te Vas, créée par Luna Garijo, Rafa Gil de la Calleja et Agustín Martínez, porte une grande partie de la narration visuelle. Comment la création musicale et votre travail d’écriture se sont-ils articulés ? La chanson a-t-elle dicté le rythme du montage, ou votre concept visuel a-t-il aussi influencé la direction musicale ?

Pour faire le lien avec ma réponse précédente : dès que j’ai décidé de raconter cette histoire à travers un clip, j’ai immédiatement contacté Luna, une amie avec qui j’ai aussi fait mes études. Elle faisait beaucoup de reprises et chantait de temps en temps sur scène, mais elle n’avait jamais composé sa propre chanson. Je lui ai donc demandé si elle aimerait faire partie de l’aventure en composant une chanson spécialement pour ce projet. Elle était ravie de la composer et de l’interpréter. Nous en avons parlé, nous avons organisé des réunions et nous nous sommes tenues informées pendant des mois. Et cela en valait vraiment la peine. Ce n’était pas seulement une collaboration entre amies, mais une expérience qui prouve que de belles choses peuvent naître lorsque deux formes d’art se rencontrent et s’unissent autour d’un même projet. Le court métrage poursuit actuellement son parcours en festivals, mais la version intégrale de No Te Vas est officiellement sortie sous la forme d’une vidéo avec les paroles sur la chaîne de Fearless O’Clock Studios, pour tous ceux qui voudraient l’ajouter à leur playlist. Elle est dans la mienne et, aujourd’hui encore, j’adore l’écouter.

L’idée était d’avoir la chanson prête avant le début du tournage, afin de pouvoir créer une chorégraphie qui lui corresponde. Ce fut une période stressante pour moi, mais avec le recul, je ne changerais rien. J’ai énormément appris sur la musique et la chorégraphie, et j’en suis reconnaissante.

Certaines coupes et certaines modifications au montage ont évidemment été influencées par le rythme de la chanson, mais nous savions que cette articulation devait être travaillée. La chanson n’a jamais été un simple ajout : nous y avons travaillé dès le départ (comme je le disais, des mois avant le tournage ou toute autre préparation). Elle a été un élément essentiel de la naissance de l’idée.

Du corset rouge audacieux aux ailes LED, en passant par les roses violettes et les plumes noires, chaque élément de costume et chaque accessoire semble porteur de sens. Comment avez-vous travaillé avec l’équipe artistique, notamment Javier Sánchez et Malena Salgado, pour créer une identité visuelle aussi poétique et singulière ?

Tous ceux qui me connaissent et qui ont travaillé avec moi savent que je suis obsédée par les détails. Je ne dis jamais « Ça m’est égal » ou « Faites comme vous voulez » lorsqu’il s’agit des accessoires, des objets ou des costumes. Quand je termine l’écriture d’un scénario, l’une des premières choses que je fais est de préparer un moodboard réunissant tous les symboles, les détails et les intentions de l’idée, puis j’organise une réunion pour expliquer à mon équipe ce que signifient ces symboles et ces détails, et quelle importance ils ont. Je pourrais en parler sans fin pour chacun de mes projets, car je les prévois avec soin dès l’écriture, tout en veillant à les intégrer naturellement, de la façon qui convient à chaque histoire, sans rien forcer.

Les roses servent aussi de contraste. Si l’on y prête attention, les roses violettes du monde intérieur de Kiara ont des épines, alors qu’à la fin de sa performance, dans le monde réel, le public lui lance des roses rouges sans épines. Ce petit détail (qui passe sans doute inaperçu) est chargé de sens, et je l’aime particulièrement. Les peurs de Kiara sont si fortes qu’elle imagine le spectacle tourner au désastre, le public la critiquer, la détester, se moquer d’elle ; toutes ces pensées l’entourent comme des roses épineuses. Mais à la fin de sa performance, elle reçoit une immense ovation et on lui lance des roses sans épines. Elle en ramasse même une. Ces roses sans épines montrent que toutes ces pensées négatives la tenaient éloignée de ce qui pouvait lui arriver de beau. Cela montre aussi que nous sommes parfois tellement absorbés par les aspects négatifs et les conséquences désastreuses que nous imaginons que nous perdons de vue une réalité bien moins inquiétante.

Les costumes ont eux aussi été pensés avec soin, du type de vêtements à la palette de couleurs. Les tenues restent bien sûr dans la palette de chaque univers, ce qui souligne également le contraste. Autre détail que j’adore : le corset rouge brillant que Kiara porte sur scène est orné de plumes rouges, qui s’accordent avec les ailes LED qu’elle utilise pendant son numéro et, bien sûr, font vivre le thème des « ailes » qui traverse tout le projet. Les références aux ailes se retrouvent dans tous ces détails : les plumes de sa robe rouge, les ailes LED, les plumes noires dans les nuages, sa robe bouffante qui évoque un peu un oiseau blanc, ses boucles d’oreilles à plumes et, évidemment, son ombre ailée à la fin. Ce symbole est important car, tout au long de l’histoire, Kiara ne cherche pas ses ailes. Elle les a toujours eues ; ce qu’elle cherche, c’est le courage de s’en servir. Et bien sûr, tout ce thème des ailes est un symbole. Il nous dit que nous portons tous en nous cette force intérieure, cette audace, cette confiance. Il nous suffit de nous en servir davantage, surtout lorsqu’il s’agit de réaliser nos rêves. On ne peut pas viser les étoiles si l’on a trop peur ne serait-ce que de lever les yeux vers le ciel.

Si, au début, dans son monde intérieur, Kiara est enveloppée dans un voile de plastique entouré de roses épineuses, c’est parce qu’elle se sent prisonnière d’un état d’esprit fait de doute, de peur et de négativité. Mais un voile de plastique se soulève facilement (ce qu’elle finit d’ailleurs par faire pour s’en libérer). Il représente l’illusion que la peur nous impose : elle nous donne le sentiment d’être bloqués, incapables d’avancer, alors qu’en réalité nous le pouvons ; il suffit d’avoir le courage de faire ce premier pas malgré la peur.

J’ai expliqué chaque détail et l’importance de chaque accessoire à l’équipe artistique, et non seulement elle a compris, mais elle a adoré l’ensemble et s’est enthousiasmée à l’idée d’y travailler. J’aime travailler avec des personnes qui mettent elles aussi de la passion et de l’enthousiasme dans ce qu’elles font. Et l’équipe artistique a tout donné : elle a travaillé très dur, en préproduction comme sur le plateau, pour que tous les objectifs soient atteints. Javi, Malena, Gabri et Irene ont fait un travail spectaculaire et ont porté une attention minutieuse à absolument tout : la scène, les rideaux, les roses, les nuages, le ciel (qu’ils ont d’ailleurs peint eux-mêmes). Une équipe artistique fait vraiment des merveilles, surtout quand elle porte une idée avec autant de dévouement et d’amour.

Même pour le maquillage, j’ai préparé une présentation avec une palette et des références, que la maquilleuse, Isabel — qui est en fait ma grande sœur —, a étudiée attentivement. Elle est arrivée parfaitement préparée, et j’ai adoré l’avoir sur le plateau. Ce projet a été créé par une équipe qui croyait en mon idée et qui ne s’est pas contentée d’aider : elle a participé avec enthousiasme à lui donner vie. Et quand la passion réunit les gens, de beaux projets voient le jour.

Vous avez fondé Fearless O’Clock Studios avec l’ambition de produire un cinéma audacieux, authentique et qui repousse les limites. En quoi Las Alas de mi Sombra incarne-t-il cette philosophie Fearless, et quel message espérez-vous que le film transmette aux artistes confrontés aux limites qu’ils s’imposent eux-mêmes ?

Fearless O’Clock Studios est, et restera toujours, la maison des histoires les plus audacieuses, les plus risquées et les plus novatrices. My Shadow’s Wings (Las Alas de mi Sombra) fait partie de ces idées audacieuses, et porte plus d’un message.

D’une part, il encourage chacun à ne pas céder à ses peurs ni à ses doutes. Je resterai toujours fidèle à cette citation : « La peur tue plus de rêves que l’échec ne le fera jamais. » L’histoire de Kiara nous montre l’importance de croire en soi, de se relever et de se battre pour ses rêves. Et l’importance de ne jamais, au grand jamais, laisser la peur tuer cette passion, ni laisser ses doutes se mettre en travers du chemin. C’est bien plus facile à dire qu’à faire ; j’ai moi-même lutté contre cela à de nombreuses reprises, et c’est encore parfois le cas. Mais c’est justement pour cela que nous avons besoin de projets comme celui-ci : pour nous rappeler ce dont nous sommes capables si nous n’écoutons pas ces voix (intérieures comme extérieures) qui nous crient que nous ne sommes pas à la hauteur. Et bien sûr, le nom même de Fearless O’Clock Studios en est un rappel. Chaque fois que je ressens cela, j’aime me faire cette petite plaisanterie intérieure qui m’aide à aller de l’avant : « Quelle heure est-il ? », et je me réponds : « It’s Fearless O’Clock. »

D’autre part, l’histoire de Kiara met en lumière un sujet qui, selon moi, devrait être davantage exploré dans l’audiovisuel : la danse inclusive, et les artistes passionnés par leur travail, quels que soient les obstacles rencontrés en chemin. Kiara rêve évidemment de devenir danseuse, mais elle pense qu’elle ne sera jamais assez douée à cause de sa condition physique. Pourtant, peu à peu, au fil de l’histoire, elle prend conscience qu’elle est plus capable qu’elle ne le croit et, surtout, qu’elle ne se résume pas à son handicap. C’est pour cela que j’ai choisi de ne montrer son corps en entier qu’à la fin : autrement, je pense que le message se serait perdu. Toute l’attention se serait portée uniquement sur la jambe manquante, alors que l’idée était de montrer une jeune femme ambitieuse, portée par un rêve, qui tente de surmonter ses peurs.

Chacun peut s’approprier tout cela en regardant le projet. J’espère que les artistes et les rêveurs du monde entier pourront s’y reconnaître, chacun à sa manière et selon sa propre situation, et que cela les encouragera à croire davantage en leurs rêves. Si nos rêves ont été placés dans nos cœurs, c’est pour une raison.

Félicitations pour la nomination de votre film au World Film Festival in Cannes. De l’univers dystopique et expérimental de A Rainbow of Money à la poésie intime de Las Alas de mi Sombra, votre travail témoigne d’une remarquable polyvalence. Quels projets développez-vous actuellement chez Fearless O’Clock Studios, et quelle direction aimeriez-vous explorer ensuite ?

Quand je parle de mes idées et des projets de Fearless O’Clock Studios, il y a toujours des genres, des idées et même des styles différents, parce que cela dépend du projet. Je suis ouverte à l’exploration, mais ce n’est pas seulement cela : c’est ma créativité qui me pousse à explorer des domaines et des styles différents à chaque projet. A Rainbow of Money est une idée dystopique que je m’emploie actuellement à transformer en long métrage, car c’est une intrigue d’envergure et je veux la raconter comme il se doit, sans l’enfermer de force dans un format court et limité. J’ai d’ailleurs plusieurs scénarios de longs métrages en préparation, et je trouve amusant que, bien qu’ils aient tous été écrits par la même personne (moi), ils soient tous très différents. The Rifle Under My Sister’s Bed est un drame psychologique que j’essaie de porter au format long, une autre idée qui me passionne et qui, là encore, regorge de détails et de symboles. Je dirais qu’actuellement, A Rainbow of Money et The Rifle Under My Sister’s Bed sont les deux grands projets auxquels je m’efforce de donner vie. Parmi les autres scénarios de longs métrages sur lesquels je travaille, il y a une comédie, un film d’horreur, une comédie noire et un thriller autour des espaces liminaux.

En ce moment, je travaille sur un court métrage d’horreur psychologique intitulé Eshe’s Puppets (Las Marionetas de Eshe). C’est un scénario que j’ai écrit en juin ; j’ai passé l’été sur sa préproduction, et je suis ravie que nous le tournions en octobre (ou, comme nous aimons l’appeler, nous les amoureux d’Halloween : « Spooktober »). J’ai aussi deux autres courts métrages prévus pour le printemps 2027 (une dark romance) et l’été 2027 (un récit initiatique qui montre ce que signifie vivre avec le syndrome de Cotard).

J’ai beaucoup de projets pour Fearless O’Clock Studios, mais je consacre toujours beaucoup de temps à chacun d’eux, car je m’efforce d’accorder à chaque idée le temps, l’attention et le soin nécessaires. Et une chose est sûre : je veux continuer à créer, parce que c’est ma passion.

À un moment clé de la performance, on découvre que Marta Casado danse avec une prothèse de jambe, ce qui donne une dimension nouvelle et puissante à la symbolique des ailes, du mouvement et de l’envol. En quoi cet aspect de l’interprétation de Marta a-t-il influencé votre chorégraphie et votre mise en scène, et de quelle manière sa présence approfondit-elle les thèmes centraux du film que sont la résilience, la libération et la liberté ?

Dès le départ, nous avons créé avec les ailes une chorégraphie qui ne demandait pas de mouvements de danse complexes, voire carrément impossibles. La chorégraphie et la mise en scène ont toujours été conçues telles qu’on les voit dans le résultat final. L’interprétation de Marta a été brillante, et elle a adhéré au projet dès le premier coup de fil. La fin, où l’on découvre la jambe manquante de Marta, en dit d’autant plus sur sa force et sur sa capacité à réaliser ses rêves, à déployer ses ailes puissantes et à ressentir cette liberté qui lui permet de laisser derrière elle ses doutes et ses peurs. La présence de Marta, pour Kiara comme pour l’ensemble du film, approfondit les thèmes de l’évolution personnelle et de la force intérieure, puisque nous montrons que chacun, quoi qu’il arrive, peut devenir la personne qu’il aspire à être. J’aime à penser que Marta est celle que Kiara rêve de devenir, car Marta nous a montré qu’elle est une artiste forte, positive et passionnée, qui a apporté énergie et joie sur le plateau.

Merci infiniment au World Film Festival in Cannes pour cette interview. Je suis toujours ravie de parler en profondeur de mes idées et des projets sur lesquels je travaille chez Fearless O’Clock Studios. Et bien sûr, la meilleure façon de conclure cette interview, c’est de vous dire : n’oubliez pas de rester Fearless.