ENTRETIEN AVEC DARON HAGEN, COPRODUCTEUR, AUTEUR, COMPOSITEUR, REALISATEUR ET MONTEUR DE « 9/10 : L’AMOUR AVANT LA CHUTE »

Daron Hagen, bienvenue au Festival des films du monde à Cannes ! Félicitations pour votre film d’opéra qui a remporté le prix dans la catégorie « Meilleure distribution d’ensemble ». Tout d’abord, merci pour ce beau travail, tant d’un point de vue musical qu’intellectuel. Le 11 septembre a changé le monde et l’Amérique. Pourquoi revenir aujourd’hui sur cet acte terroriste déchirant ?

C’est l’aspect pratique et le positionnement qui ont déterminé le choix du moment. En tant qu’habitant de Manhattan, j’ai réfléchi pendant près de dix ans à la création d’une œuvre qui parlerait de ce traumatisme, avant de finalement écrire un traitement pour solliciter une bourse de la Fondation Guggenheim afin de financer le scénario et la partition musicale. J’avais réalisé mon premier « opéra-film » (un court métrage expérimental de 60 minutes intitulé « Orson Rehearsed ») et j’en avais appris suffisamment pour commencer à travailler sur le scénario et la partition de « 9/10 ».À ce moment-là, COVID a secoué le monde de l’opéra américain, qui s’est soudainement mis à diffuser en ligne des vidéos d’archives de productions antérieures mises en scène et à les qualifier de films pour fournir du contenu à leurs abonnés pendant que leurs salles de spectacle étaient fermées. Je ne voulais pas que mon projet de film d’auteur soit associé à ce mouvement. Je me suis donc concentré sur l’exécution de la bande sonore et sur la création progressive d’une situation où je pourrais la filmer. Le lieu de tournage, les producteurs et l’équipe se sont soudainement réunis à Chicago à l’automne 2021. En échange de ma mise en scène d’une version de l’opéra-film avec de jeunes artistes au Chicago College of the Performing Arts, où j’enseignais alors la composition à distance, le conservatoire a servi de coproducteur lorsque j’ai fait venir ma propre équipe du « New Mercury Collective », composée d’acteurs professionnels, de musiciens et de talents derrière la caméra, pour filmer au printemps 2022.

Vous avez déclaré : « Ensemble, nous avons créé quelque chose de nouveau qui allie l’impact émotionnel d’un spectacle d’opéra en direct de pointe au réalisme magique et à la vraisemblance psychologique d’un film d’auteur intimiste et réaliste ». Quelle est, selon vous, l’importance du cinéma indépendant dans l’industrie cinématographique ?

J’entame ma 45e année en tant que compositeur professionnel, mais je ne tourne des films indépendants que depuis une dizaine d’années. Je ne me sens donc pas qualifié pour expliquer pourquoi l’industrie cinématographique a besoin de films indépendants, si ce n’est pour souligner que les exceptions animent toutes les formes d’art. Il y a quelque chose d’intéressant à dire sur le fait que la lutte que les cinéastes indépendants semblent mener pour sortir le cinéma commercial de sa zone de confort est, ironiquement, similaire à ce que je vis en tant qu’artiste s’inspirant du cinéma indépendant (et de la musique de film) pour sortir le monde de la musique dite « classique » de sa zone de confort non-commerciale.

Le chant d’opéra en direct devant une caméra (plutôt que la synchronisation labiale sur le play-back) renforce cet aspect, car il brouille la frontière entre l’artifice et la réalité, le documentaire et l’improvisation, la performance cinématographique et la performance scénique. Dans le monde du concert – et dans une certaine mesure, dans le monde de l’opéra – « Votre musique est si mélodieuse, si “cinématographique” » est un rabaissement calculé, intellectuellement facile, lancé principalement par des chefs d’orchestre et des critiques qui sont encore bloqués sur le mensonge moderniste selon lequel la vulnérabilité émotionnelle est bon marché ou inintelligente. J’aurais aimé que « Maestro » soit le genre de film où l’angoisse de Bernstein à ce sujet aurait pu être déballée un peu plus, mais il avait une autre histoire à raconter. La performance en direct est gladiatrice par défaut ; la marier à un film, c’est capturer l’éclair dans une bouteille.

Nous nous sentons obligés de vous demander de commenter les mots de Dante Alighieri « Souviens-toi de ce soir, car c’est le début de tout ». Vous pouvez nous en dire plus ?

Le film commence avec les mots de Dante en épigraphe pour plusieurs raisons : premièrement, c’est la ligne que les quatre personnages chanteront alors qu’ils contemplent à la fois la joie de commencer leur vie ensemble en tant que couples mariés et l’implication soudaine que leur vie se termine ; deuxièmement, c’est une évocation franche de l’Underworld pour ceux qui regardent ce genre de choses, signalant que ce qui ressemble à un bistro italien pourrait en fait être le bardo, ou l’Underworld ; troisièmement, cela fait bien sûr référence au fait que l’histoire se déroule seulement quelques heures avant que la catastrophe des Twin Towers ne change tout à jamais ; enfin, cela délimite clairement que nous, les témoins de la narration sur le point de se dérouler, sommes perchés, à la manière de Janus, à un moment où nous regardons simultanément en arrière et en avant.

Le « chaos au moins est réconfortant ». Parlez-nous du « point doux » mentionné dans les paroles.

Le « point doux » auquel les deux hommes font référence est, comme le chante Corey, « le point où vous êtes élevé, mais pas tellement élevé que vous êtes allé trop loin. » Comme l’a dit Aaron Sorkin à travers Leo McGarry dans son téléfilm The West Wing, « qui ne voudrait pas que ce sentiment dure éternellement ? » Pour Tony, c’était le moment « avant que les roues ne se détachent », comment, alors qu’il tombait, comme l’homme tombant de DeLillo, il « est tombé pour » Bibi, qui décrit ses sentiments pour lui comme l’état de « ne pas être accro à l’amour mais être amoureuse d’un accro ». Cela fait référence à Trina et à sa lutte avec la Doctrine de la Chute et la pensée binaire au profit de la pensée multi-factorielle, comme lorsqu’elle chante que « la Vérité est une plume dans les balances de la Justice » juste avant que Corey ne se souvienne de rester en suspension dans les airs comme Icare lorsque la cire commençait à fondre. C’est le moment de plein potentiel et d’opportunité maximale, l’état d’être pleinement vivant parce qu’on est proche de la mort. C’est le moment avant que la nausée existentielle ne frappe, ce que l’Apôtre Paul a décrit dans les Corinthiens lorsqu’il expliquait que nous ne voyons pas clairement maintenant, mais à la fin des temps, nous le ferons.

C’est le moment juste avant que Charon ne tende la main pour se faire payer – le grand quatuor aux paroles de Dante pleines de joie et de souvenir, d’optimisme et de clairvoyance. C’est à ce moment-là que j’introduis dans les cordes une figure oscillante tirée de mon opéra Amelia, qui est associée au début d’Amelia au même type de confusion morale que Benjamin Britten dans Billy Budd, mais que je transforme à la fin de mon opéra, avec la naissance d’un enfant, en un hymne à la croyance que « tout est possible ». Dans mon premier opéra-film, Orson Rehearsed, je commence l’ouverture avec la même figure oscillante transposée sur des cloches tubulaires, alors qu’un Welles maniaque et accablé par le bardo lutte contre la crise cardiaque qui met fin à sa vie. Dans 9/10 (qui fait suite en tous points à Orson), je replace la figure dans les cordes pour souligner le fait que la nature nous apprend au moins à laisser mourir les choses.

Dans votre film, le restaurant Passagio représente le Styx et la voix de Charon est rendue par un violon. La musique est une sorte de langue supérieure qui transmet l’indicible/non-dit ?

Exactement. C’est pourquoi je suis devenu compositeur, pourquoi je me suis tourné vers l’opéra, et finalement vers ce nouveau genre « operafilm », qui se situe lui-même dans une zone liminale entre l’opéra et le drame parlé, la musique et les mots, le poème symphonique et le film.

Il y a ce moment poignant où Charon tend son bras pour que les élus paient leur sou pour traverser vers l’Underworld, et l’un des protagonistes est submergé par la colère et le déni et le repousse d’abord, avant de finalement accepter son destin. Ensuite, les autres élus s’embrassent également alors qu’ils peinent à comprendre leur destin inévitable. Dans quelle mesure pouvons-nous apprendre de cette scène ?

Je suis particulièrement heureux que le Festival des films du monde à Cannes ait choisi de décerner à notre film le laurier de la « Meilleure distribution d’ensemble », car la séquence entière de chaque personnage a été développée ensemble lors de la découverte et de la répétition en groupe. Je savais combien de temps durerait chacun de leurs moments, mais pas exactement comment le rythme allait se dérouler. Ils s’étaient merveilleusement préparés et ont fait preuve d’un grand courage émotionnel pour se lancer dans un jeu d’acteur aussi difficile qu’une pantomime après avoir chanté à tue-tête pendant 45 minutes devant un public situé à quelques mètres d’eux et tout autour d’eux. Je ne saurais trop les féliciter et les remercier. Ce que j’ai appris en écrivant, en dirigeant, en mettant en scène et en filmant cette scène, c’est qu’en fin de compte, c’est la collaboration rendue possible par notre amour, notre confiance et notre amitié mutuels qui a compté ; ce n’est pas ma paternité qui a compté, mais plutôt le processus consistant à habiter pour un temps ce « sweet spot » ensemble.

Parlez-nous de vos projets cinématographiques à venir.

Frances Richard, Vice-Présidente de la musique de concert à l’ASCAP, qui est décédée il y a seulement quelques jours, a été une grande mentore pour moi, m’a conseillé très tôt d’avoir toujours cinq projets prêts à être présentés au cas où je rencontrerais un producteur ou un Intendant d’une compagnie d’opéra. En fait, je suis prêt à partir avec cinq projets différents en ce moment, et je saisirai celui qui, comme Orson et 9/10, se concrétisera. La musique, les histoires et les images sont dans ma tête où elles ont toujours été. Elles n’ont jamais été plus vibrantes. C’est le plaisir et la légèreté d’être un indépendant qui rend possible qu’un projet se cristallise soudainement et exige une exécution immédiate. Ce plaisir me fait me sentir jeune, et comme si tout était possible.

©2024 Isabelle Rouault-Röhlich